The Nature of Art & Creativity (Part 1)

A natureza da arte e da criatividade, parte um. Por que
damos forma visual às nossas emoções, pensamentos e imaginações? A necessidade de gesticular, desenhar, dançar,
falar, cantar, escrever e construir é uma parte importante do que nos torna exclusivamente humanos. O desejo de
produzir e apreciar o que definimos como arte tem sido um motivador poderoso ao longo
da existência humana. A arte não está separada de nós. Ela vem de nossas
percepções, emoções e experiências humanas comuns e extraordinárias. As artes visuais incluem desenho, pintura,
escultura, cinema, arquitetura, design e muito mais.   As formas visuais costumam ser o meio mais eficaz
de transmitir certas ideias e sentimentos porque, em essência, a arte, assim como a música, é uma
linguagem única. Como disse certa vez o pintor americano Edward Hopper: “Se eu pudesse dizer isso em
palavras, não haveria razão para pintar”. Para começar, vamos primeiro discutir o que grandes mentes
disseram e pensaram sobre o termo arte.

Arte que parece abranger tanto pode ser um
termo difícil de definir. Filósofos, historiadores da arte, críticos e escritores há muito lutam
para tentar compreender o conceito de arte. O filósofo britânico do início do século 20,
Robin George Collingwood, afirmou que a arte é a expressão imaginativa da emoção humana,
o que superficialmente parece razoável, já que provavelmente todos temos uma compreensão geral
dessa afirmação. Mas agora temos um problema de definição. O que exatamente constitui imaginativo?
Todos nós podemos ter uma ideia muito diferente sobre o que é considerado imaginativo. O mesmo vale para palavras
como expressão ou mesmo emoção humana. O que constitui exatamente a emoção humana? Se não podemos
concordar sobre o que esses termos significam exatamente, então como podemos determinar com precisão o conceito
de arte? Muitas décadas depois, o filósofo George Dickie abordaria essa teoria inicial da
arte mudando a ênfase para a instituição ou o mundo da arte.

A teoria institucional de Dickie
sugeriu que os museus e galerias e as entidades que trabalham dentro deles têm o poder
de ditar o que é e o que não é arte – que um objeto só pode se tornar arte no contexto
da instituição conhecida como “o mundo da arte”. Para nossa discussão, adotaremos a
definição vaga de arte como a expressão visual de uma ideia ou experiência formada com habilidade
por meio do uso de um meio.

Um meio é um material específico juntamente com a
técnica que o acompanha. Mídia é o plural da palavra. Aqui temos o artista alemão
Gerhard Richter usando tinta a óleo e um rodo gigante
para fazer sua grande pintura verde. Por milhares de anos, os artistas usaram o
meio tradicional de aquarela e pincel. Muitas esculturas da antiguidade
sobrevivem hoje porque foram esculpidas com um martelo e um cinzel em um
meio quase indestrutível: a pedra. Usando capim-elefante médio, artistas
em Bolgatanga, Gana, criam lindas cestas coloridas com cores elétricas. Hoje
alguns artistas usaram o que chamamos de mídia mista, o que significa que eles estão combinando
uma variedade de materiais e processos.

Criatividade. A imaginação humana ou o pensamento criativo
é a fonte fundamental da qual se originam toda a arte, ciência, tecnologia e, na verdade, a
própria civilização. No entanto, o que exatamente queremos dizer
quando invocamos o termo criatividade? Criatividade é essencialmente a capacidade de
trazer algo novo que tenha valor. Embora estejamos nos concentrando na criatividade artística, a criatividade
pode ser encontrada na maioria das atividades humanas e, ao contrário   do que você pode ou não acreditar sobre si mesmo,
você é um ser criativo por natureza. Artistas treinados e não treinados. Primeiro, vamos falar
sobre a arte outsider, que é a arte produzida por aqueles sem treinamento formal fora dos
canais estabelecidos de exposições de arte. A arte de crianças, pacientes psiquiátricos e prisioneiros que criam
arte sem as estruturas convencionais de treinamento artístico e produção artística é frequentemente categorizada
como arte externa.

Aqui temos o trabalho do artista francês Jean Dubuffet, que em 1964 começou a
colecionar obras de arte que considerava livres de restrições sociais. Isso foi chamado de Art Brut ou
arte bruta, que era outro termo para arte externa. Além disso, sob a égide de
artistas treinados e não treinados, temos artistas populares – arte de pessoas que
não tiveram treinamento acadêmico formal, mas cujas obras fazem parte de uma
tradição estabelecida de estilo e artesanato. Do México, temos a
arte popular colorida de criaturas fantásticas conhecidas como Alebrijes, que foram originalmente criadas em
1936 por Pedro Linares Lopez na Cidade do México, depois que ele sofreu algumas alucinações febris
de algum tipo de doença. Os primeiros eram feitos de papel machê e papelão. Mais tarde, eles se
espalharam para Oaxaca, no México, onde foram feitos de madeira. Acredita-se que os alebrijes
afastem os maus espíritos ou talvez protejam a casa. Eu mesmo possuo vários deles e
eles são visualmente impressionantes e bastante charmosos. Outro exemplo de arte popular é a arte
do quilting. Imagine que ninguém em sua família jamais frequentou uma escola de arte, mas sua
bisavó que fez colchas e ensina sua filha, sua avó que depois ensina
sua mãe, que finalmente ensina você.

Você pertence a uma tradição familiar de quilters.
Agora, digamos que suas lindas colchas sejam notadas por uma instituição que deseja expor ou vender
suas obras e que sua exposição seja comentada. Então você provavelmente será descrito como um
artista popular que segue uma tradição. Derivando das tradições artísticas da
Igreja Católica estão as pequenas pinturas devocionais chamadas de retábulos. O termo retablo vem do latim retro
tabula ou "atrás do altar", referindo-se originalmente às grandes pinturas representando santos, Jesus ou
a Virgem Maria, que geralmente ficavam penduradas atrás dos altares nas igrejas católicas. Mexicanos devotos encomendam
retábulos como oferendas votivas como voto ou gratidão pela intercessão divina. Essas ofertas votivas
que influenciaram o trabalho muito pessoal da famosa artista mexicana Frida Kahlo. Este aqui
diz: "O infortúnio aconteceu comigo em 28 de maio de 1929. Sendo arrastado pelas águas do
Rio Grande em El Paso, Texas, me vi em perigo tão grande que invoquei Nossa Senhora
de San Juan de los Lagos com um coração verdadeiro, e naquele momento minha salvação veio de um
amigo que, lutando bravamente contra as águas temíveis, conseguiu me puxar para a margem do rio.

Em
ação de graças por um milagre tão aparente, divulgo o presente retábulo de São Francisco.
Ricón. 29 de janeiro de 1932. Domingo Segura. Também sob a égide de
artistas treinados e não treinados está a arte infantil.   As crianças são infinitamente criativas, elas constantemente
assumem riscos criativos que a maioria dos adultos evita por medo do fracasso.
criar imagens que são mais construções mentais em vez de registros de observações visuais. Por que
amamos a arte infantil porque elas têm um senso de vida revigorante em suas distorções e
expressões únicas. você está
certo! O famoso artista espanhol Pablo Picasso quando questionado por que ele não ensinou seus filhos a
pintar respondeu que "quando eu tinha a idade deles, eu conseguia desenhar como Rafael (o grande
mestre da Renascença), mas levei uma vida inteira para aprender a desenhar como Eles agora." O que você acha que ele quis dizer com
isso? Pablo Picasso foi considerado uma criança prodígio e aos 13 anos frequentou a Escola de
Belas Artes de Barcelona, ​​Espanha, onde seu pai, professor de artes, lecionava.

Ele era essencialmente
um garoto de 13 anos em uma turma com alunos de 21 anos. Essas obras foram criadas quando Picasso tinha
entre 14 e 16 anos de idade. Esta é uma imagem do pai de Picasso, o meio é
sua mãe e a imagem à direita é um modelo que por acaso era um matador
em touradas, que era modelo para a turma. Vejamos agora dois trabalhos diferentes.
Esta pintura, chamada Comunhão, tem cerca de 1,50m x 1,20m de tamanho e foi criada
quando Picasso tinha cerca de 15 anos de idade. Agora, esta imagem à direita também é uma
pintura de Picasso.

Chama-se Primeiros Passos e foi criado quando Picasso tinha cerca de 61 anos. Aqui
veemos seu trabalho quando adolescente comparado ao seu trabalho como adulto maduro. Picasso disse uma vez que "a arte é uma
mentira que nos faz ver a verdade". Como podemos aplicar essa afirmação à pintura Primeiros Passos? A
pintura à direita é obviamente uma mentira porque  os humanos não são realmente assim. Essas estranhas
distorções são inventadas. Mas qual é a verdade, ou melhor, a verdade poética que Picasso está tentando
nos mostrar? Você já viu uma criança dar os primeiros passos? É um momento muito complicado e estranho,
pois a criança luta para encontrar o equilíbrio.

Olhe para o adulto pairando sobre a criança, ela é como um
guarda-chuva protetor, uma árvore de abrigo ou até mesmo um campo de força talvez, protegendo e observando a
criança. Mesmo no momento importante desse evento, você consegue detectar um toque sutil de tristeza no
rosto da mãe enquanto a criança sai destemidamente   pelo mundo para se tornar uma pessoa independente?
Suspeito que parte disso possa ser a verdade, ou melhor, a verdade poética que Picasso está revelando
nesta obra.

Muitos anos atrás, visitei minha irmã, que por acaso dá aulas para alunos da terceira e quarta
séries. Eles são muito fofos e adoráveis ​​nessa idade. Na aula da minha irmã, antes das
férias de inverno, as crianças desenhavam bonecos de neve. Assim que terminaram, eles tiveram tempo livre. Eu estava
brincando com as crianças quando notei um garotinho no fundo que coloria com muito cuidado a
maior parte do papel de preto. Todas as outras crianças haviam terminado e estavam brincando, e esta
criança estava trabalhando muito intensamente. Por fim, no final da aula ele apresentou ao
professor e disse que terminei. Minha irmã então perguntou: onde está seu boneco de neve? E o garotinho
disse que é ele quem está embaixo. . . ele derreteu. As crianças parecem ser artistas naturais. Eles
são destemidos em assumir riscos criativos. Isso conclui a primeira parte da discussão sobre
a natureza da arte e da criatividade. Obrigado!.

Texto inspirado em publicação no YouTube.

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