The Creative Process | John Paul Caponigro | Talks at Google

[? LAURIE:?] Olá e seja bem-vindo. Estamos muito satisfeitos
em poder apresentar John Paul Caponigro. Ele é mais do que apenas um
fotógrafo talentoso. Ele é um artista visual talentoso. Ele compartilha sua visão e
criatividade através de suas imagens. E você verá
isso hoje. Ele dá palestras, seminários e workshops, além de escrever. E hoje ele vai compartilhar seu
processo criativo e inspirar você nessa jornada
de descoberta. E uma das minhas citações favoritas
de JP é: “Como o artista chega lá é, talvez, tão
importante quanto como ele chega”. JP é membro do
Photoshop Hall of Fame. Ele é um Canon Explorer
of Light. E ele é editor colaborador
de revistas fotográficas e palestrante requisitado em todo o
mundo. Portanto, temos o prazer de
apresentar nossa série de fotógrafos no Google, Sr.
John Paul Caponigro. Obrigado. Obrigado. [APLAUSOS] JOHN PAUL CAPONIGRO:
Obrigado, [? Laurie?]. E obrigado, Google. Obrigado pessoal por terem
vindo hoje. E obrigado por ajudar a construir
algo que uso todos os dias. É um mundo diferente como
resultado do que vocês estão fazendo, e é muito legal. Eu queria falar
brevemente hoje – talvez um pouco
brevemente demais, vamos apenas arranhar a superfície – sobre o processo criativo.

Há muita observação de pixels
acontecendo na indústria da fotografia digital. E, em muitos aspectos, esses
assuntos podem ser os mais fáceis de discutir. Às vezes, talvez não falemos
sobre o processo criativo, como chegamos onde chegamos, onde
começamos, por que terminamos onde chegamos. Esses são, às vezes,
muito mais difíceis de discutir. E, em parte, acho
que é porque é um processo de descoberta. Principalmente como artistas,
nem sempre sabemos qual é o nosso resultado final até
começarmos. Mas em algum lugar ao longo do caminho,
começamos a obter pistas, como resolver um mistério. Encontramos peças que começam
a se encaixar. E entramos em certos
modos criativos e realizamos certas operações criativas que
são repetíveis, podem ser consistentes, que podemos partilhar
com outras pessoas.

E esses são os tipos de
coisas que quero discutir hoje. Uma definição de criatividade –
e eu sei que existem muitas delas. Você pode encontrar uma coleção completa
de citações sobre criatividade no meu site. Eu coleciono citações. E eu os coloquei em minhas
redes sociais, incluindo o Google+ – é para criar uma mudança de
perspectiva, para ver as coisas sob uma nova luz. E uma das coisas que eu
queria fazer é compartilhar algumas das histórias por trás de algumas das minhas
imagens, tanto como uma introdução visual aos tipos de
coisas que faço quanto como uma forma de compartilhar como estar envolvido
em um processo criativo- – e eu realmente gosto de falar sobre
isso como um processo criativo, não necessariamente envolvido em
fotografia, não necessariamente envolvido em desenho, não
necessariamente envolvido em escrita ou qualquer uma das outras
operações criativas, modos, mídias, que eu uso sinteticamente,
holisticamente em meu trabalho.

processo – quando você se envolve nisso,
sua percepção muda. Fazemos isso em parte para entender
um pouco melhor o mundo e também para entender
o que está dentro de nós, o que muitas vezes é uma das coisas mais difíceis
de trazer à luz e uma das razões pelas quais
faço os tipos de imagens que faço.

Robert Frost disse algo
que considero maravilhoso. Nenhuma surpresa para o escritor, nenhuma
surpresa para o leitor. Então eu acho que esse processo de
descoberta tem que começar aqui com cada um de nós em um
processo criativo, então temos que ser criativos com nosso processo, e
que cada um de nossos processos mudará com o tempo. E então, cada um dos
nossos é único. Há um estado diferente
ou um fluxo diferente em momentos diferentes. Então, quero compartilhar algumas das
histórias que mudaram a maneira como penso sobre fazer
imagens e sobre fotografia, ou apenas sobre
imagens em geral. Uma das razões pelas quais me
envolvi com a fotografia é que a fotografia pode
nos mostrar muito. E acho que uma das melhores
coisas da fotografia é que ela pode registrar
muitos detalhes. E uma das piores coisas
da fotografia é que ela pode registrar muitos detalhes. E a grande questão então é: o
que há dentro do quadro é um detalhe significativo? Secundariamente, como sabemos? Uma das coisas que
mais me atrai na fotografia é que
ela pode congelar um momento de movimento rápido como este.

Consigo sentir
vagamente, talvez difusamente, essas relações complexas. Mas eles estão se movendo rápido demais para que
eu possa realmente considerá-los detalhadamente e compará-los com
padrões antes e depois e como eles mudam. Há algo na
imagem estática, na capacidade de congelar relações realmente complexas
, que é realmente fascinante. Você poderia olhar para o
trabalho de Eadweard Muybridge e como ele mudou a maneira como pensamos
sobre o tempo e o movimento, como ele respondeu ao debate sobre se os
cascos de um cavalo estão todos fora do chão enquanto ele corre. Uma questão interessante
é saber até que ponto deixamos de verificar a nossa própria
percepção e confiamos nos documentos, nos objectos que
criamos, como forma de decidir o que é real ou verdadeiro.

Estamos numa época muito interessante
, em que nos tornamos cada vez mais cibernéticos. E estamos transferindo essa noção
de testemunha ocular para as ferramentas que usamos. E temos que ter cuidado com
isso, porque estamos profundamente envolvidos na criação
das ferramentas, nos objetivos, na forma como são utilizadas. Objetivamente só acontece
gradativamente. O que você sabe muda
o que você vê. O que você vê muda
o que você sabe. O psicólogo francês Piaget
realmente nos conta todo esse processo. E acho que é uma das
razões pelas quais uma disciplina criativa visual é tão importante. Porque quanto mais você pode
ver, mais você sabe. E quanto mais você puder ver
de muitas maneiras, bem, você poderá ver ainda mais. Acho fascinante que a
base de conhecimento do espectador mude as perguntas
que ele faz. E eu acho que é muito importante
fazer perguntas. Os fotógrafos muitas vezes vêm
até mim, olham para esta imagem e perguntam como você
conseguiu essa exposição? Há muito pouca luz. Eu sei que aquela longa exposição,
a luz na água, deveria ter se confundido
com esta névoa.

Como você conseguiu isso? Eu disse, bem, peguei uma pista de
Steven Spielberg, expus de dia e
ajustei a cor para fazer parecer noite. Ah, você trapaceou. [RISOS] JOHN PAUL CAPONIGRO: E é uma
afirmação engraçada, porque realmente temos que perguntar: de quem
estamos jogando? Quero dizer, existem regras
para o jogo. Mas existem muitas
regras diferentes. Um dos desafios da
fotografia é que temos apenas uma palavra para fotografia. Agora, estamos falando do
surrealismo de Jerry Uelsmann ou do documentário
de primeira linha de James Nachtwey ?
Como resultado, esperamos práticas muito diferentes. Mas temos uma palavra
para ambos. E isso, para mim, parece
lamentavelmente ausente. Precisamos atualizar todo o nosso
conceito para que possamos nos comunicar com mais clareza. Olha só que escritores Já
imaginou ter uma palavra para escrever um roteiro, uma
ficção, uma poesia? Bem, que tal apenas ficção
e não ficção? É muito mais elegante do que
fotografia e ilustração fotográfica. Que tipo de
ilustração fotográfica? Para medicina e forense,
ou para…

Você vê para onde estou indo. Precisamos atualizar
nossa linguagem. Os astrônomos me fazem
perguntas totalmente diferentes. Eles dizem, onde você encontrou
essa constelação? Eu não reconheço isso. Eu disse, sim, você está certo. Pintei no Photoshop para
fazer com que parecesse mais com o que meus olhos veem e menos com os
pontos coloridos que às vezes aparecem na câmera. Então, com base em sua
base de conhecimento, eles estão olhando para isso de forma totalmente diferente e fazendo
suposições diferentes, e trazendo algo diferente
para o jogo. E acho que temos que
entender que nossos telespectadores estão sempre trazendo algo
para o jogo do olhar. E isso como um jogo. Existem regras. Existe um contexto. Mas também é divertido. É realmente interessante. É como resolver um mistério.

Todos nós vemos coisas diferentes. Uma das razões pelas quais esta é minha
imagem favorita, provavelmente, não é apenas porque ela iniciou um
relacionamento totalmente novo com uma das minhas, bem,
obsessões formais pela simetria. Tem sido um ótimo recurso para
sugerir que outras coisas têm vida e espírito, mas também
porque destaca esse processo de envolvimento do espectador
e enriquece minha compreensão
do meu próprio trabalho. Certa noite, em uma galeria, um
cavalheiro cheirando a uísque e fumaça veio até
mim e disse: Adoro seu ícone satânico. E estou olhando ao redor
da sala. E ele me leva a isso. E eu ficava perguntando
o que ele estava fazendo. Mas não compartilhei meus
pensamentos originais ou o que estava pensando naquele momento, porque
isso muda com o tempo. Fica mais complexo. Ela cresce. Porque pensei que ele estava
tão embriagado que, bem, tenho esse acordo de que, se
eu compartilhar o que compartilho, primeiro faço com que a outra pessoa
compartilhe o que sentiu. E não quero que minha interpretação suplante a deles.

Só quero que os dois,
a troca, enriqueçam tudo. Um bom amigo meu comprou
esta imagem e levou-a para sua esposa. Olha, não é lindo? Onde devemos pendurá-lo? Você não está pendurando
isso aqui. Por que não? Está sujo. O que você quer dizer com está sujo? É um raio X de alguém
sentado numa sanita. Você não consegue ver? [RISOS] JOHN PAUL CAPONIGRO:
Continue. Apenas continue. Uma das outras coisas que
recebi e um dos melhores elogios da minha carreira veio de
um menino de quatro anos, que cruzou a soleira e parou,
prendeu a respiração.

Eu disse: OK, não me importa
quantas vezes ele vende. Eu não me importo onde ele
é coletado. Se você conseguir recuperar o fôlego de
uma criança de quatro anos, sucesso. E então, os braços voam. E ele começa a cuspir. Foi a primeira vez que fiquei realmente
feliz por haver vidro na frente das minhas impressões. E ele diz, é, é,
é um espirro gigante.

E estou sentado no
canto da galeria, observando todo esse processo,
pensando: chamei-o de Avra, que é a
palavra sânscrita para respiração. Respire, espirre, perto o suficiente. E é interessante perguntar até que ponto
queremos comunicar especificamente a nossa intenção e com que
frequência ela se torna mais frouxa e, ainda assim, ainda
existe uma ligação comum, um fio condutor. E acho que queremos
procurar isso. Às vezes, as histórias que outras
pessoas compartilharam sobre minhas imagens mudaram minha
reação a elas. E tenho certeza de que isso acontece
entre si. Vou apenas compartilhar um dos
mistérios aqui. Esta imagem é profundamente
desafiadora para mim. Porque na primeira vez que
o expus, quatro mulheres, durante um fim de semana, vieram e
compartilharam histórias sobre a perda de uma
figura masculina significativa, um filho, um pai, um amante.

O estranho é que isso
aconteceu mais de duas dezenas de vezes nos últimos 15 anos. Eu não posso explicar isso. Posso varrê-lo para aquela lata de lixo
chamada coincidência. Mas penso que tem algo
mais a ver com a ideia de sincronicidade de Jung . Há algo acontecendo
diante disso, e não sei o que é. Na verdade, estou tentando
entender e explorar um pouco mais profundamente e me pergunto: como
posso entrar nesse território onde algo mais universal
é compartilhado? E como posso fazer um trabalho que está
um pouco além de mim? Porque é aí que estão as áreas
de maior crescimento. Acho que às vezes não saber
é na verdade um benefício. Lembro-me de estar em outra
exposição na galeria, fazendo a prévia com o
diretor da galeria. Ele queria poder
contar histórias sobre as imagens ao longo do mês.

E eu só estive lá
naquele fim de semana. E me deparei com
essa imagem. E eu não conseguia me lembrar se
havia capturado a neve ou se
a renderizei com o Photoshop. E isso me fez olhar
a imagem mais de perto. Isso me fez olhar
outras fotos de neve mais de perto. E isso me fez olhar a
neve mais de perto. Por não saber, fiquei
mais rico, porque olhei com mais cuidado. E acho que a fotografia pode
oferecer muitas oportunidades para isso se aceitarmos apenas
um convite. Portanto, há uma coisa para se manter atualizado
nessa experiência visual. E muitas vezes isso permanece
intuitivo e vago. Muitas vezes é útil segui-
lo e colocar isso em palavras, mesmo que as palavras sejam
apenas para fazer as coisas acontecerem, para ter alguma clareza sobre
o que aconteceu, ou o que estamos tentando realizar, ou
o que posso fazer a seguir.

A primeira vez que fui a White
Sands para fotografar a sério, passei uma noite
e uma manhã filmando 24 rolos de filme. Sim, isso foi
na época do cinema. Cheguei com dois goleiros. Eu pensei, ok, dois
goleiros, nada mal. Quero dizer, agora você
realmente cria muitas imagens que realmente valem a pena compartilhar, pelo menos
no contexto de uma galeria. Cerca de 1% é o que a maioria dos
meus colegas e eu concordamos. E isso não significa que você pode
pegar sua câmera e colocá-la no motor e
esperar que um – tipo o fenômeno de borrifar e
rezar – não funcione tão bem quanto ser
um pouco mais considerado ao olhar para sua primeira foto ,
descobrindo como melhorá- lo, olhando para os sucessos
e, em seguida, como fazer outros sucessos que possam se basear
nesses sucessos e até mesmo sair de certos ritmos ou
de certas rotinas e entrar em um novo ritmo.

É útil ser um pouco
mais considerado. Mas eu realmente não tinha descoberto
por que gostava dessa imagem. Eu pendurei. Não foi tão surreal
quanto algumas das simetrias impossíveis ou pedras flutuantes pelas
quais sou conhecido. Ajudou muito – bem, foi bom – quando meu
pai entrou e me deu um tapinha nas costas uma manhã. Porque eu tinha colocado na minha
sala de jantar, passei um tempo com ela. Acho que é muito útil
passar um tempo com suas imagens, uma das grandes vantagens
das impressões. Uma coisa é tê-
los em discos rígidos.

Uma coisa é tê-los
nas redes sociais. Mas com que frequência
os consideramos casualmente, por um período prolongado, um pouco mais oficialmente,
como ao longo do tempo? Você pensa muito sobre como
interage com suas imagens. Então papai entrou e disse:
essa é uma boa criança. Você conseguiu evitar todos
os clichês da Costa Oeste. Eu fui, isso é bom. Isso é ótimo. Mas ainda não tinha encontrado
o que procurava. Até que meu sogro,
engenheiro, entrou, apertou os olhos e disse: isso é água? Entendi. Não estou fotografando
grãos de areia. Estou fotografando ondas. Agora tive que pegar a água dele
e transformar na minha onda, importante para personalizar
a linguagem.

Mas depois de fazer isso,
voltei à mesma cena, fotografei durante o mesmo período
de tempo e depois encontrei uma dúzia de tratadores. Porque eu estava focado
em linhas que eram relevantes para mim. E encontrei um tema que
funcionou em quase todos os meus trabalhos, a ideia das ondas. Estas eram apenas
ondas mais lentas. Ironicamente, depois daquela
caminhada longa e quente, abriguei-me à sombra da placa do parque e
comecei a ler literatura pela primeira vez. Essas dunas se movem um
metro por mês. Estava ali na
minha frente o tempo todo, você sabe. E às vezes, acho que os
artistas entram em… e todos nós entramos em modos onde sentimos as coisas
intuitivamente, onde juntamos muitas informações,
tanto coisas que sentimos mentalmente, fisicamente,
as outras coisas que sentimos.

ler. Agregamos muitas
informações. E isso transparece nas
coisas que fazemos. E é uma das razões pelas quais
considero tão importante não apenas pensar, mas
também fazer. Porque existe outro tipo
de compreensão que vem de realmente fazer
algo. Há muitas outras histórias
no meu site. Quero mudar de assunto aqui e
falar, neste caso, como as ferramentas podem mudar a percepção. Há muito diálogo
por aí sobre a contagem mais recente de megapixels ou
quantos picolitros saem de uma impressora, ou que tipo de
rotinas sofisticadas você pode fazer com seu software. É divertido. Quer dizer, vivemos em
uma época incrível. Mais mudanças neste meio de
fotografia nos últimos 10 anos do que em seus 175 anos de
história. Lembro-me de anos atrás – isso
foi há cerca de 15 anos – uma analogia no Macworld. Se você pegasse o Rolls-Royce
e o computador pessoal, obtivesse a mesma redução no preço
e o mesmo aumento no desempenho, o Rolls-Royce
atingiria sete vezes a velocidade do som e custaria US$ 0,70. Claro, isso está 15 anos
desatualizado, então não tenho absolutamente nenhuma ideia de qual seja a nova matemática.

Muito interessante. Tenhamos nossas idéias sobre o que
é a fotografia, como podemos praticá-la, não
como deveríamos… lembre-se,
não há trapaça – nas artes ou em qualquer coisa,
na verdade. Na verdade, é apenas uma questão
de deturpação. Se eu colocar uma de minhas
composições surreais na revista Time, estou deturpando que é
esse tipo de fotografia e pertence a esse tipo
de contexto. Não há nada de trapaça
nisso. Acho que precisamos apenas fazer o
trabalho que precisamos fazer e então começar a fazer algumas
declarações interessantes sobre o que aconteceu e decidir, bem, que tipo de
fotografia é essa e que usos posso dar a ela? Mas nada disso é limitante,
você não o fará.

Quem escreveu esses mandamentos? Quem lhes deu o direito? Precisamos todos nos dar
o direito de reescrever esse manual e jogar nossos próprios jogos,
os jogos que nos ajudarão a chegar onde queremos
de maneira autêntica. Então é muito bom ter a
formação, não só de pintor, mas também de
fotógrafo. Meu pai é um conhecido
fotógrafo de belas artes. E ele me ensinou o que sei
sobre fotografia em preto e branco . Minha mãe também me ensinou
sobre impressão offset. E foi uma ótima
combinação. Porque jato de tinta,
câmeras digitais, tudo se encaixou. Além disso, a composição,
um pouco da pintura. Ela também era pintora
. Portanto, foi um bom casamento de
toda essa base de conhecimento. Mas ainda tenho que superar
minha maldição de especialização. Fui treinado para fazer certos
tipos de coisas em determinadas rotinas. E fui treinado para
pensar de certas maneiras. E um dos maiores
desafios para mim é repensar o que estou fazendo, como
estou fazendo, com base em novas possibilidades. E com este ritmo alucinante de
mudança, precisamos de fazer isto agora mais do que nunca.

Existem algumas oportunidades
maravilhosas e maravilhosas . Portanto, uma das grandes questões da
fotografia é aprender a pensar dentro do enquadramento,
a compor essas quatro linhas essenciais. As quatro linhas mais importantes
são a fronteira, o que está dentro, o que está fora, que
dinâmica visual você cria. Qual é a proporção ou
proporção desse quadro? Mas agora, com a costura,
também precisamos aprender a pensar fora do quadro.

E pode não ser criar um
formato panorâmico como este. Às vezes é só uma questão
de um centímetro a mais, um pouco para a esquerda, um pouco para
a direita, um pouco para cima, um pouco para baixo. E constantemente tenho que
me controlar e desenvolver um novo hábito. Se eu descobrir que estou eliminando,
eu diria, ah, esse é o velho sacrifício que
eu costumava fazer. E eu simplesmente parava ou
parava para obter as informações.

No final das contas, tudo o que
realmente precisamos fazer é citar Pee-wee Herman e dizer:
Eu pretendia fazer isso. Essa
era a minha intenção artística, como todas aquelas críticas de arte pelas quais alguns
de nós passamos. Qual é a sua intenção
jovem? Não sei. Você me diz. E por isso também é útil
lembrar que esses formatos panorâmicos são verticais
e horizontais.

Ou se você for David Hockney,
eles estão em todos os lugares – uma maneira bastante interessante de
representar o que para nós é um primeiro alarme muito dinâmico e fluido . Eu sabia que isso seria
rápido – um
processo de observação muito dinâmico e fluido. Agora, como representamos
isso em um quadro estático? Então não vou passar pela
rotina do Photoshop de apenas mesclar os dois. É bastante simples. Só para lembrar a você, e a
mim mesmo, que existem várias maneiras de mesclar isso.

E a maneira como eu passo por
isso mudará diferentes relações dentro
da imagem. Agora, eu tenho a dúvida,
eu recortei ou clonei? Bem, depende do
tipo de fotografia que estou tentando fazer. E também, eu acho, depende
se é relevante. Se eu clonar algo como o
topo deste céu, será apenas uma textura branca. Isso é realmente trapaça? Isso é realmente
deturpação? Isso não deveria mais ser qualificado
como documentário? Não tenho certeza se é
realmente relevante.

Por outro lado, se eu fizer um
ponto panorâmico como este – e sei que certas distorções
estão envolvidas nisso, e voltaremos a isso
em apenas um segundo – posso então decidir se devo
cortar ou Eu clonei? Quanto devo cortar ou clonar? Se eu decidir cortar tanto,
porque quero ter certeza de que isso está lá e que sobrará
isso, estou disposto a clonar isso? Se eu fizer algo assim –
e é incrível como isso é fluido hoje – então, se fizermos algo como
conteúdo sobre um filme. E acredite ou não, hoje em dia eles
até têm material em plataformas móveis para esse
tipo de tecnologia que servirá de amostra para outras áreas.

Agora, se alguém está olhando para
isso do ponto de vista geológico ou cartográfico, Houston,
temos um problema. Vou ser demitido
do "Sun-Times". Bem, talvez não o "Sun-Times",
mas o "New York Times". [RISOS] JOHN PAUL CAPONIGRO: OK, tipo,
no meu caso, se estou fazendo uma impressão de belas artes,
ela é realmente relevante? Isso importa? Estou disposto a estetizar. Depende do tipo de imagem
que estou fazendo. E muitas vezes, farei vários
tipos de imagens apresentadas em contexto umas com as outras.

E as pistas de que faço ou não
faço alguma coisa indicam que tipo de fotografia é. Então, que tal pegar uma imagem
como essa e transformá-la em uma imagem como essa? Sim, claro, existem
efeitos especiais adicionados a isso. Mas observe as
relações espaciais nisso. Agora, os perfis das lentes foram projetados
para curar os efeitos colaterais das lentes,
uma proposta interessante.

Portanto, o sistema óptico introduz
distorções, o que é aceitável em
contextos jornalísticos. Ou é útil identificar
aqueles em áreas forenses. Você precisa saber o que está
envolvido para poder interpretar os dados. E eu acho que isso é o mais
importante, a divulgação, para a gente entender o que foi
feito e como essa coisa foi criada. Mas se eu começar a fazer algo
como mudar arbitrariamente as relações espaciais, puxando
o primeiro plano para frente, empurrando o fundo para trás,
fazendo com que pareça mais longo. Aumenta a sensação de
recessão na imagem. Isso compacta relacionamentos
aqui. Você pode ver esse tipo de
coisa em oscilações e inclinações com câmeras de visualização.

Agora, isso é ser capaz de
fazer isso depois do fato. E um dos desafios aqui
é ser capaz de pensar de forma previsível no campo. Devo mudar meu
ângulo de visão? Ou devo mudar algumas
dessas relações espaciais na postagem? Isso me fez pensar em
enquadrar de uma maneira muito diferente da que costumava fazer. E está me convidando a desenvolver
um novo hábito de explorar as proporções relativas, as
relações espaciais entre os objetos no quadro, para que eu
possa torná-los mais poderosos, torná-los mais expressivos,
ajustá-los, seja de maneira sutil ou dramática. Às vezes, apenas usar isso
um pouquinho produz muitas mudanças. Mas é um novo hábito que
acho que todos devemos estar cientes de que pode ser benéfico para muitos
de nós adquirir. Não foi assim que fui
treinado para pensar sobre fotografia.

E só temos que lembrar que
não é a mesma fotografia de tantos anos atrás. Por exemplo, a
fotografia real ainda pode ficar de pé? OK, então é um composto. Acho que nenhum deles é
uma fotografia real. Agora, é um
tipo diferente de fotografia. OK, então deixe-me reformular
a pergunta. Viu como é importante formular
a pergunta? Qual é a proporção original
ou a proporção que finalmente encontrei? Acho que todos concordaremos que
temos uma resposta visual diferente a um
panorama horizontal do que a algo que é um panorama horizontal,
quadrado, vertical ou vertical. Agora, poderíamos fazer isso de forma
muito convincente. Deixe-me mostrar a você. Então, vou duplicar
a camada aqui e transformá-la. Brincadeira de criança, certo? Edite, transforme. Vamos apenas
distorcer o quadro. Depois de um certo ponto,
você pode ver que as coisas ficam obviamente distorcidas. E se você não tivesse visto o
original, você saberia que algo assim
foi distorcido? Provavelmente não. Afinal, você esteve olhando
para uma apresentação ligeiramente distorcida o tempo todo.

[RISOS] JOHN PAUL CAPONIGRO: Mas você
vê, há mais de uma maneira de distorcer isso? Se eu voltasse aqui e
usasse conteúdo ou uma escala semelhante ao conteúdo ou
preenchimento, é olhar para as áreas mais suaves da imagem e
comprimi-las mais – olhe para a geleira. Você vê a relação
entre a montanha e a borda da geleira e à medida que aquele
espaço branco e morto no meio fica compactado – vê como
a imagem se torna muito mais forte? Agora, deixe-me distorcê-los para
a mesma quantidade, porque quero uma comparação aqui de maçãs com maçãs
ou laranjas com laranjas.

Portanto, um foi distorcido,
distorcendo o céu e a área lisa da neve
mais do que o outro. E você vê as diferentes
relações proporcionais? Certas áreas foram
distorcidas mais do que outras. E, claro, se eu estivesse disposto
a mascarar, poderia localizar essa distorção
também, aproximando-os. Então isso me faz pensar sobre o
enquadramento no campo de uma forma um pouco diferente. Se vejo dois objetos
distantes um do outro, de cima para baixo, da esquerda para a direita, sei que
posso comprimi-los e intensificar a relação
entre duas coisas significativas no meu enquadramento, seja mudando o
meu ângulo de visão. E se há uma parede, um
penhasco ou um corpo de água, não tenho vontade de entrar
depois, no correio ou em ambos. Veja o que isso faz
ao seu cérebro? Então essa é a coisa mais importante
, o que isso faz ao seu cérebro.

Porque você começa a ver mais
possibilidades por aí. Você começa a pensar de forma
mais previsível. E é disso que se trata a pré-visualização
, ter consciência do que suas ferramentas
são capazes o suficiente, para conseguir obter o material que você precisa para
obter o resultado final que procura. Isso não significa que
não haja um processo de descoberta ao longo do caminho. Não estou 100% certo de que quero
uma forma de distorção em detrimento da outra. Mas tenho material suficiente
nas minhas capturas originais que me permite explorar ambas as
possibilidades. Posso chegar aonde quero. E é isso que gostaríamos
de fazer, estar atentos às possibilidades, fotografar com mais
versatilidade, aproveitar mais esta situação, e poder
aprimorá-la ainda mais para criar resultados que
defendemos 100%.

Então, eu brinco rotineiramente com coisas
como a forma como o quadro é dividido, distorcendo seletivamente
a imagem, ajustando sua proporção. São
declarações visuais muito diferentes. E muitas vezes gosto de brincar de processo
de eliminação, muito espaço, muito apertado, ainda
muito espaço, ainda muito apertado, um ou outro. E esse processo de eliminação
ajuda muito. E outra coisa que é
realmente importante, para ativar toda a sua
inteligência visual, é usar interfaces que permitam fazer
comparações lado a lado. Eu poderia olhar para uma coisa
de cada vez e alternar entre as outras. Mas não posso tomar essas
decisões rápidas quando você olha as duas coisas juntas. A visão contextual é
realmente importante. É uma das coisas
que mais me intriga em iPads ou tablets. Estamos de volta ao
pergaminho grego. O que aconteceu com duas páginas, a
imagem e o texto, ou o novo livro, a página da web e o
texto, ou um vídeo. Você vê para onde estou indo. Eu fiz. Provavelmente existe uma
limitação tecnológica de colocar duas telas sensíveis ao toque,
sabe, quanto mais vai custar.

Mas, para fugir disso, a
contextualidade lado a lado é uma grande mudança
na interface. E acho que precisamos pensar
muito no design de interfaces. Houve uma palestra no TED que
achei brilhante, que dizia que, nos
anos 1900, o modelo dominante era o romance. No século 20,
era o filme ou filme. E no século 21,
agora é a interface. Essa é uma
afirmação interessante.

Então começo a ter que pensar de forma mais
previsível sobre coisas como, bem, os
blocos básicos de construção da fotografia, tempo e luz. Perdi minha foto mais vendida
porque ainda estava pensando em 125 segundos na primeira
vez que tentei fotografar Zabriskie Point
no Vale da Morte. Uma amiga minha balançou o
dedo para mim e disse: bem, aposto que você poderia fazer
diferente. Acho que ela estava pensando que eu
iria criar alguma simetria impossível, compor
algo incomum nela. Foi quando a
lâmpada se apagou. E percebi que
tinha que voltar. Levei um ano para voltar. E, bem, enquanto eu estava
ali, fotografando a mesma composição no espaço de
45 minutos, pensei, ah, não, estou procurando uma
luz dramática em todas as áreas da imagem. Não haverá
sombra, nem contraste. Tive que modificar meu plano
quando finalmente consegui montá-lo. Mas eu tinha colhido. Eu apenas mantive meu
plano original o suficiente para obter informações suficientes em tomadas suficientes para
poder recompor aquela situação de iluminação, que
não existe em nenhum centésimo de segundo.

É nascer do sol, 45 minutos
depois, 20 minutos depois disso. Está me pedindo para pensar de forma mais
previsível sobre o tempo e a luz, os blocos básicos
da fotografia. E abre possibilidades
como esta. As mesmas fotos podem ser usadas para
renderizar versões totalmente diferentes do mesmo assunto. Esse tipo de etapa é realizada
rotineiramente na fotografia de produto, um pouco mais difícil
na fotografia de paisagem. Mas se você tem
nuvens passageiras, elas são realmente suas amigas. Luz solar plena, borda das
nuvens, bela luz difusa, nuvem como sombra. Então, realmente, eu acho, uma das
coisas que mais gosto em tudo isso é a maneira como
isso muda minha mentalidade. E acho que mentalidade
é tudo. Isso te prepara para muita coisa. Como para o desenhista, para o
compositor, poder pensar em juntar peças
, me faz pensar em filmar fragmentos. Lembro-me de um amigo meu,
anos atrás, corrimão, vocês, fotógrafos digitais,
não conseguem mais tirar uma fotografia inteira.

Tudo são pedaços. Então tive que descobrir o que
queria fazer com isso e fotografar uma pedra de meia
dúzia de ângulos, todos com a iluminação certa, para conseguir
encaixá-la. E eu tive que pensar em como a
luz criaria sombras, ficaria distorcida na
superfície, de modo que ficariam mais duras perto dos objetos, mais suaves
mais longe, e que elas contêm cor. Eles não são apenas negros. O que foi interessante é que, assim
como as pessoas que escrevem ótimos romances de ficção passam muito
tempo observando a realidade e fazendo muitas anotações, os
compositores, desenhistas, pintores têm que gastar muito
tempo olhando para a riqueza da vida
para recriar isto. E muitas vezes, essa
visão rápida de 125 segundos não faz com que você diminua a velocidade e
considere as coisas com um pouco mais de cuidado.

E quando você se depara com a necessidade de
fazer algo assim com credibilidade, quanto mais você começa
a ficar sensível a essas coisas, mais credíveis
suas ficções se tornam. É muito divertido pensar em
como você deseja recompor uma imagem. É muito divertido trapacear. Quero dizer, brincar. E, sério, quero
celebrar esse espírito lúdico, porque é nessa brincadeira que
acontecem muitas descobertas. É também, você sabe, um
pouco de engenhosidade. Você vai para a pista de corrida
no Vale da Morte. Está muito úmido para chegar até aquelas
pedras que deslizam e deixam
rastros misteriosos.

Então você tira as fotos. E você clona as rachaduras
e cria suas próprias trilhas. Ah, você trapaceou. Não, eu inventei. E também é muito interessante
perguntar: de quantas maneiras você pode remover algo de uma
fotografia e alterar significativamente a afirmação e/ou
trazer algo novo para ela? Interessante pensar em
taças e caminhos. É o seu vazio
que cria a sua utilidade, sabe? Uma sala é útil porque tem
espaço que pode ser usado. Quando a eliminação
de algo cria algo novo? Quando é menos mais? Portanto, há uma estratégia visual totalmente nova
aqui, apenas repensando o jogo.

E às vezes, você é forçado,
nessas situações, a ter novas ideias, que você
não esperava ter. E você provavelmente tem tantas
ideias que precisa de um caderno de desenho para anotar todas
essas coisas, ou um bloco de notas, algo no seu
iPhone ou celular ou qualquer coisa para capturar essas ideias. A mente humana só pode
conter cerca de sete coisas.

A menos que você seja Glenn Gould. E então, você provavelmente consegue
segurar cerca de 5 ou 10 melodias de uma vez. Mas ele é incomum. Normalmente, só podemos segurar cerca de
sete coisas por vez. E precisamos de alguma
forma de descarregar. Ver? Precisamos de alguma forma de descarregar essas
informações e liberar nossa mente, nosso poder de processamento,
para realizar novas tarefas. Portanto, a forma como fazemos isso é tão
importante quanto o que escolhemos escrever, porque isso
mudará a forma como pensamos. Lembro-me de voltar da
Antártida, sentado ao lado do meu amigo Arthur Meyerson.

Ele estava me observando desenhar no meu
iPad enquanto eu trabalhava em uma composição, então eu
estava pensando. Ele se inclinou sobre mim e disse:
JP, seu processo é tão diferente do
nosso. Eu disse, bem, não é tão
diferente dos pintores. Você só precisa sair com mais
alguns pintores, Arthur. Mas aqui estava um amigo que
me conhecia há 20 anos. E ele ainda ficou surpreso com a forma
como eu estava resolvendo e desenvolvendo as coisas. E eu me senti bem, era hora
de apresentar isso. Então montei uma exposição,
um Blurred Book para criar um catálogo para ele, e agora,
recentemente lancei um e-book sobre meu processo criativo, muitas
das coisas que estão envolvidas nele.

E tem toda uma seção sobre
desenho, sobre composição, sobre cor e até
fotografia com celular como forma de brincar, de explorar ideias. Uma das coisas que quero
enfatizar é que muitas vezes sofremos com a
maldição de expectativas muito altas. Deixe-me fazer
uma pergunta a vocês. Quantos de vocês sabem desenhar? OK, então consegui 10% da multidão? Deixe-me fazer outra
pergunta. O que aconteceu? Não sei quantos de vocês
leram este livro. David Bayles e Ted Orland têm
um livro maravilhoso chamado "Art & Fear". E nele eles
contam a história de um colega que levava a filha da escola para
casa depois da aula. Ela pergunta, então, pai, o que
você fez hoje? Bem, eu ensinei meus alunos a
desenhar. Quando eles esqueceram? É maravilhoso. Você consegue imaginar uma
criança sem desenhar? Isso não acontece com muita frequência. E, de facto, quando pergunto a alunos do
jardim de infância e do ensino primário , especialmente
os mais novos, obtemos uma resposta de 80%, 90%. E à medida que envelhecem,
entre os 8 e os 13 ou 14 anos, começam a ficar
mais constrangidos – menos mãos se levantam – ao ponto de
termos esta síndrome adulta de não saber desenhar.

Talvez eu não tenha formulado a
pergunta bem o suficiente. Eu não perguntei quantos
de vocês conseguem desenhar como Michelangelo. Então talvez esse não seja o seu objetivo. É preciso muito treinamento. Leva muito tempo. Posso desenhar assim, mas não
tenho tempo para dedicar 40 ou 30 horas a um
desenho, nem mesmo as 20 horas necessárias para fazer algo
assim. Muitas vezes não acho que seja realmente
útil colocar a hora que leva para fazer
algo assim, de 1 hora a 20 minutos. Na maioria das vezes, estou apenas
desenhando no meu iPad, esboçando ideias, desenhando-as
em menos de um minuto. Foi um pequeno esboço
que Edison entregou à sua equipe de desenvolvimento
do fonógrafo. Foi esse rabisco rastejante
que ele disse, aqui vamos fazer isso,
o fonógrafo. Pense no quanto isso mudou. Não era um tratado de 40 páginas.

E ainda não existia. Então, como você transmite ideias
que não existem? Desenhar é uma forma de ideação. E há muitas
maneiras de desenhar. E não
precisamos procurar – como vamos
chamar isso – formas sofisticadas de desenhar? Eu nem diria isso. Porque acho que você pode fazer
desenhos muito sofisticados, coisas muito simples
que têm padrões de pensamento muito sofisticados por
trás deles. Não temos que procurar
resultados acabados, se não for isso que
vamos produzir. Mas pode definitivamente
ajudar a aprimorar qualquer um de nossos esforços criativos. Eu sei que isso acontece comigo. Quando entro em uma situação,
muitas vezes faço um inventário de um ambiente.

Então estou na Antártica
pela primeira vez. É um ambiente completamente surreal e
incomum. E estou fazendo um balanço. Eu tenho lua. Eu tenho sol. Eu tenho nuvens. Não tenho estrelas porque
não está escuro o suficiente. Eu tenho montanhas. Eu tenho um iceberg. Eu tenho oceano. Quantos outros componentes? Posso ter uma ilha. Então eu os desenho. Não os específicos,
mas desenho uma lua. É uma nuvem, uma montanha,
um iceberg. Olha, estou apenas desenhando ícones
que posso reorganizar. E se eu
alinhasse todos eles? E se eles estivessem aninhados, com aquela
sensação de estarem juntos, ou embalados, dispersos? Ainda estou procurando
este, o reflexo de uma montanha. A Antártida, sendo o
continente mais ventoso, é difícil obter reflexos suaves. Talvez eu tenha que
compor isso. Mas o que eu não percebi
quando estive lá pela primeira vez – acabei fazendo um
trabalho editorial, e ele não se encaixa perfeitamente nesse
corpo de trabalho – tive que reposicioná-lo em
um corpo de trabalho separado. E ao longo do caminho, outras ideias
surgiram. O interessante é que quando
você desenha as combinações, é mais provável que você
as veja.

Então essas são algumas das imagens
que foram produzidas ao longo do caminho. Não são
composições específicas, mas são os mesmos tipos de padrões. Você sabe como você aluga ou compra
um carro vermelho e, de repente, todo mundo está dirigindo carros vermelhos. Você está se sensibilizando
com padrões. E você pode usar o poder da
auto-sugestão para ficar mais consciente de certos tipos de
padrões e dizer ao seu subconsciente que certos
padrões são mais importantes. E há muitas maneiras
de lidar com diferentes operações, o que pode ajudar não
apenas quando você está compondo, mas também quando está
em campo. Quantas variações significativas
posso encontrar sobre o tema de uma pequena montanha
na parte inferior do quadro e um grande céu? Aparentemente, existem
muitas variações. E continuo
procurando mais. Agora, isso passou a fazer parte
do meu repertório. É um padrão que
procuro constantemente.

Todos nós desenvolvemos familiaridade
com certos tipos de padrões. É uma espécie de nosso ritmo. Porque podemos vê-los
muito rapidamente. E podemos obter imagens de mais sucesso
dessa forma. Começamos a entendê
-los melhor. Aprendemos como torná-
los mais fortes. Nós praticamos. A prática melhora. Esqueça o perfeito. E alguns padrões não
surgirão tão facilmente. Mas se você conseguir identificar
o padrão e praticar, é mais fácil. Coisa estranha.

Se você escrever algo,
terá 72% mais chances de agir a respeito. Então, se você esboçar algo,
não tenho certeza de qual é a porcentagem, mas é muito
mais provável que você reconheça esse padrão, aprenda
novos padrões. Veja, é tudo uma questão de
reconhecimento de padrões. Trata-se de reconhecer
o padrão. E também se trata de criar
padrões. Quero deixar uma nota que
considero muito importante. É muito difícil ser espontâneo
em qualquer área em que tenhamos um alto grau
de especialização. Brincar, ser espontâneo
nisso, é um desafio. É uma das razões pelas quais
adoro fotografia celular. Eu me desafio a fazer
uma série de experimentos e fotografar coisas que normalmente
não fotografaria, coisas que não reforçam minha marca.

Isto é apenas para brincar. Não tenho ideia para que
vou usá-los. Estou simplesmente gostando de olhar. Mas estou me desafiando
a tentar olhar de maneiras diferentes. Esta é uma seleção de
imagens que têm essa aparência pictórica. E estou me perguntando se é o
pintor frustrado que há em mim se revelando. Ou é um desejo de olhar de forma mais
ampla, de não se prender aos detalhes, de ter uma
qualidade mais espontânea. Eu não tenho certeza. Ainda estou descobrindo isso
enquanto continuo. Eu sei que às vezes
eles plantam sementes para outras coisas. Na maioria das vezes, é
apenas uma brincadeira visual. Isso me mantém afiado. Eu gosto disso. É divertido se comunicar
com as pessoas. De vez em quando encontro uma
semente que pode valer a pena desenvolver, uma foto que tirei há
alguns anos em Point Lobos com meu iPhone. E eu coloquei algo
em movimento. Porque voltei aqui
nesta primavera e fotografei com minha DSLR de uma forma muito focada e
consegui ser muito produtivo em três sessões curtas e
trazer um certo tipo de intensidade e compreensão,
porque fiz algumas pesquisas visuais.

Recomendo fortemente que você se
permita brincar, não apenas para reacender esse
processo criativo, esse espírito. Porque nos envolvemos em
vidas criativas, porque isso nos revigora. Isso nos refresca de
muitas maneiras. Isso não apenas refresca
nossa perspectiva. Ele coloca energia em
nosso sistema. Isso mantém nossas mentes estimuladas
de maneiras interessantes. Mas ao longo do caminho, muitas vezes
descobrimos algumas coisas que são pessoalmente relevantes, que
ressoam dentro de nós. Às vezes
nos surpreende o que descobrimos. E acho importante
nos darmos permissão, abrirmos um pouco de espaço em nossas
vidas, sermos um pouco menos orientados para resultados, sermos um
pouco mais autênticos.

Vamos a lugares que nunca
esperávamos ir, porque isso faz parte do processo
de descoberta. Acho que a fotografia é
apenas um componente de um processo de descoberta. Pode ser a área em que tenho
especialização. Pode ser o que faço
profissionalmente. Mas tenho que observar minha maldição de
especialização e me lembrar de reacender aquela criança que
sabe desenhar, aquela criança que sabe. Picasso disse que leva muito
tempo para crescer jovem. Eu não acho. Já fomos crianças. Todos nós poderíamos desenhar. Éramos todos espontâneos. Você já conheceu uma criança que
não é criativa? Você já conheceu uma criança que não
empurra os limites implacavelmente e impiedosamente? Ei, pai, você conhece aquela regra
que você disse ontem? Isso ainda se aplica hoje? Deixe-me testar isso.

Eles reconfirmam, certo? Eles são cientistas natos,
você sabe. Teoria, teste, reconfirme,
certo? Infinitamente curioso. E penso que se pudermos reacender
esse espírito e permitir- nos passar para modos
menos focados, poderemos descobrir mais. Parte do problema é
poder sair da nossa caixa. O que é realmente legal
é que podemos adotar muitas caixas diferentes, criar caixas
de nossa própria criação, trocar a caixa. Quer dizer, para pensar
fora da caixa primeiro você tem uma caixa, certo? Mas você não precisa brincar com
uma caixa a vida toda. E você pode misturar e combinar. E pode ser muito inspirador
fazer isso. Por isso encorajo você a se engajar
nessas ideias e a se permitir um tempinho para
descobrir qual é a sua fotografia, certamente para ficar atento a quais
são as novas possibilidades.

Porque eles são muito
expansivos. Temos esse constrangimento
de riquezas hoje. E em vez de fazermos
tudo, penso que temos de fazer algumas escolhas sobre o que é
mais relevante para nós. Mas um pouco de exposição ao
que é possível lá fora o ajudará a fazer
escolhas melhores ao longo do caminho. E é certamente estimulante
e muito divertido. Obrigado por ter vindo hoje. E ficarei feliz em responder
perguntas depois disso. Desejo-lhe uma boa fotografia
ou uma vida visual. [APLAUSOS].

Texto inspirado em publicação no YouTube.

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